Кубизм

1904), картины "розового" периода представляют мир циркачей и бродяг

("Семья акробатов с обезьяной", 1905, Гетеборг, музей; "Девочка на шаре",

Москва, Музей изобразительных искусств им. А. С. Пушкина; "Семейство

комедиантов", Вашингтон, Нац. гал.).

5.3. Накануне кубизма.

Вплоть до 1906 живопись Пикассо носит спонтанный характер, остается

безразличной к чисто пластическим проблемам, и художник, кажется, почти не

проявляет интереса к поискам современной живописи. С 1905, и, вероятно, уже

под влиянием Сезанна, он стремится придать формам больше простоты и

значительности, в меньшей степени, однако, отразившейся на его первых

скульптурных работах

П.Пикассо. Женский портрет. 1907 год.

("Шут", 1905), нежели в произведениях эллинизирующего периода ("Мальчик,

ведущий лошадь", Нью-Йорк, Музей современного искусства). Но отказ от

декоративной вычурности раннего творчества происходит во время поездки

летом 1906 в Андорру, в Госоль, где он впервые обратился к "примитивизму",

чувственному и формальному, который он будет разрабатывать на протяжении

всей своей творческой карьеры. По возвращении Пикассо завершает портрет

Гертруды Стайн (Нью-Йорк, музей Метрополитен), пишет страшных, варварских

обнаженных (Нью-Йорк, Музей современного искусства), а зимой работает над

"Авиньонскими девицами" (Нью-Йорк, Музей современного искусства), картиной

очень сложной, в которой сочетаются различные влияния - Сезанна, испанской

скульптуры и африканского искусства, которое было (хотя сам художник

отрицал это) одним из основных источников кубизма ("Танец с покрывалами",

1907, Санкт-Петербург, Гос. Эрмитаж).

5.4. Кубизм.

В 1907-1914 Пикассо работает в таком тесном сотрудничестве с Браком,

что не всегда возможно установить его вклад на разных этапах кубистической

революции. После периода сезаннизма, завершившегося портретом Кловиса Саго

(весна 1909, Гамбург, Кунстхалле), он уделяет особое внимание превращению

форм в геометрические блоки ("Фабрика в Хорта де Эбро", лето 1909, Санкт-

Петербург, Гос. Эрмитаж), увеличивает и ломает объемы ("Портрет

П.Пикассо. Голова женщины. 1908 год. Акварель.

Фернанда Оливье", 1909, Дюссельдорф, Художественное собрание земли Северный

Рейн-Вестфалия), рассекает их на плоскости и грани, продолжающиеся в

пространстве, которое сам он считает твердым телом, неизбежно ограниченным

плоскостью картины ("Портрет Канвейлера", 1910, Художественный институт).

Перспектива исчезает, палитра тяготеет к монохромности, и хотя

первоначальная цель кубизма состояла в том. чтобы более убедительно, чем с

помощью традиционных приемов, воспроизвести ощущение пространства и тяжести

масс, картины Пикассо зачастую сводятся к непонятным ребусам. Чтобы вернуть

связь с реальностью, Пикассо и Брак вводят в свои картины типографский

штрифт, элементы "обманок" и грубые материалы - обои, куски газет,

спичечные коробки. Техника коллажа соединяет грани кубистической призмы в

большие плоскости, расположенные на поверхности и, на первый взгляд, почти

произвольно ("Гитара и скрипка", 1913, Филадельфия, Музей искусства,

собрание Аренсберга; Санкт-Петербург, Гос. Эрмитаж), или передает в

спокойной и юмористической манере открытия, сделанные в 1910-1913 ("Портрет

девушки", 1914, Париж, Нац. музей современного искусства, Центр Помпиду).

Собственно кубистический период в творчестве Пикассо заканчивается вскоре

после начала Первой мировой войны, разделившей его с Браком. Хотя в своих

значительных произведениях художник использует некоторые кубистические

приемы вплоть до 1921 ("Три музыканта", 1921, Нью-Йорк, Музей современного

искусства).

5.5. Дальнейшая жизнь и творчество.

К 1917 относится первый опыт работы Пикассо в качестве театрального

художника. Он создал эскизы костюмов и декораций к постановке балета Парад

для «Русских сезонов» Сергея Дягилева. В следующем году женился на одной из

балерин труппы Дягилева, Ольге Хохловой.

П.Пикассо. Автопортрет. 1907 год.

В 1920-е годы Пикассо продолжал работать для театра, а также писал

картины в разнообразных стилях, от неоклассики до кубизма и сюрреализма. В

1928—1931 Пикассо вместе со своим старым другом Гонсалесом занимался

созданием произведений из металлических сварных конструкций. В начале 1930-

х годов художник сделал несколько графических серий, в том числе 30 офортов

к Метаморфозам Овидия для издательства «Скира» и к Неведомому шедевру

Бальзака по заказу коллекционера Амбруаза Воллара. Несколько основных

мотивов, которые обычно ассоциируются с творчеством Пикассо, — Минотавр,

художник и модель и др., — вошли в знаменитую серию офортов Сюита Воллара,

над которой он начал работать в 1930. В эти годы брак Пикассо распался; его

новой возлюбленной стала Мари-Тереза Вальтер.

В 1936, когда в Испании началась гражданская война, Пикассо стал на

сторону республиканского правительства и в подтверждение своей лояльности

принял предложение занять почетный пост директора музея Прадо. В конце

апреля 1937 мир узнал о бомбардировке Герники, в результате которой

маленький баскский городок был стерт с лица земли. Пикассо выразил свое

отношение к происшедшему в панно Герника. Оно предназначалось для

испанского павильона на Всемирной выставке в Париже, а затем хранилось в

нью-йоркском Музее современного искусства. В 1981, через шесть лет после

смерти Франко, картина была передана в Прадо.

Во время Второй мировой войны Пикассо жил в Париже вместе с Франсуазой

Жило, которая родила ему двоих детей. В 1946 мастер обратился к искусству

керамики и практически собственными силами возродил в городке Валлорис на

Ривьере некогда процветавшее там керамическое ремесло. Пикассо всегда

интересовался новыми технологиями, а в 1947—1950 разработал особую технику

литографии.

В 1944 художник вступил во Французскую коммунистическую партию.

Политические убеждения Пикассо, нашедшие отражение в Гернике, вновь

проявились в картине Война в Корее (1951) и двух больших панно Война и Мир

(1952), созданных для украшения Храма Мира в Валлорисе. В 1950-е годы

прошло несколько ретроспективных выставок Пикассо; тогда же он познакомился

с Жаклин Рок, на которой женился в 1961. В 1950—1960-е годы художник

вступил в диалог с великими мастерами прошлого: в 1954—1955 он написал

несколько вариаций на тему картины Делакруа Алжирские женщины, в 1957 —

Менин Веласкеса, а в 1959—1960 — Завтрака на траве Мане. В 1960-е годы

Пикассо создал монументальную скульптурную композицию высотой 15 м для

общественного центра в Чикаго. В 1970 художник подарил более восьмисот

своих произведений музею-дворцу Агилар в Барселоне. Пикассо умер в Мужене

(Франция) 8 апреля 1973.

Музей Пикассо был открыт в Барселоне, благодаря самому художнику,

который в 1970 преподнес в дар городу свои работы. В 1985 музей Пикассо был

открыт и в Париже (отель Сале); сюда вошли работы, переданные наследниками

художника, - более 200 картин, 158 скульптур, коллажи и тысячи рисунков,

эстампов и документов, а также личная коллекция Пикассо. Новые дары

наследников (1990) обогатили парижский музей Пикассо, Городской музей

современного искусства в Париже и несколько провинциальных музеев (картины,

рисунки, скульптуры, керамика, гравюры и литографии).

Уже первые рисунки Пикассо, выполненные в барселонской художественной

школе и Академии Сан-Фернандо, выглядят как произведения мастера, полностью

владеющего техникой рисунка. В картине Мулен де ла Галетт (1900)

чувствуется интерес девятнадцатилетнего художника к ночной жизни Парижа,

особенно такой, какой ее изображал Тулуз-Лотрек. С начала 1900-х годов в

творчестве Пикассо принято выделять несколько периодов, которым по

огромному стилевому разнообразию и различию формального строя вряд ли можно

найти параллели у других художников.

Картины Пикассо «голубого периода» отражают мир одинокого человека.

Иногда в работы художника проникают лирические нотки, например в картине

Голубая комната (1901, Вашингтон, галерея Филипс), но более типичны для

этого периода его творчества мотивы нищеты и крайней усталости. На картине

Старый гитарист (1903, Чикаго, Художественный институт) изображена

удлиненная, болезненно согнутая фигура. Всепроникающий голубой цвет —

визуальный аккомпанемент меланхолической мелодии. Загадочность и

задумчивость, разлитые в произведениях Пикассо этих лет, словно достигают

предельной концентрации в большом холсте Жизнь (1903, Кливленд, Музей

искусства). Молодая пара с грустью смотрит на женщину, держащую на руках

ребенка.

«Розовый период» (1905—1906) отмечен радикальной переменой цвета и

настроения в творчестве Пикассо. Голубоватый тон работ предшествующего

периода уступил место нежным оттенкам розового и серого в сочетании с

яркими цветами. В эти годы Пикассо часто изображал клоунов, акробатов и

бродячих цирковых артистов. Картина Семья бродячих циркачей (1905,

Вашингтон, Национальная галерея) на первый взгляд кажется свободно и широко

написанной яркой виньеткой из фигур акробатов. Вглядевшись внимательнее,

зритель замечает, что каждый персонаж психологически отделен от остальных и

здесь царит атмосфера одиночества. К этому периоду относятся также

многочисленные гравюры и первая серия скульптур.

В работах, выполненных летом 1906 в местечке Госол в испанских

Пиренеях, впервые появляются симптомы решительного разрыва с классической

традицией. Как Гоген, Бранкузи и фовисты, Пикассо почувствовал

необходимость начать сначала, обратившись к наивному, примитивному

искусству. Мягкая элегантность сменилась брутальностью массивных и жестких

форм. Фигуры приобрели пластические качества древней иберийской скульптуры.

Первобытная мощь чувствуется и в Портрете Гертруды Стайн (Нью-Йорк, музей

Метрополитен), и в Автопортрете (1906, Филадельфия, Художественный музей).

Пикассо никогда окончательно не отказывался от сюжета, поскольку смысл

кубизма во многом заключается в исследовании отношения произведения

искусства к реальному миру. Например, в Натюрморте на плетеном стуле

композиция, вписанная в овал, обрамлена настоящей веревкой; внутри картины

оказываются сопоставленными острые кубистические плоскости, буквы JOU и то,

что призвано изображать плетеное кресло (кусок клеенки от дешевой мебели).

Буквы JOU можно интерпретировать как начало слова journal (газета) или

понимать дословно ( jou — корень французского слова jouer — играть).

Картина действительно является игрой, так как художник предлагает зрителю

сопоставить различные уровни реальности: кусок настоящей веревки, плетенку

от кресла и живописную поверхность.

Начиная с 1912 кубизм принимает новое направление развития и получает

название «синтетического кубизма». Процесс разложения форм на небольшие

фрагменты сменился декоративностью, превращающей картины в плоскостные

красочные панно. С 1912 широко используется техника коллажа (т.е.

построения композиций из кусочков бумаги и других материалов, наклеенных на

холст). В этом жанре Пикассо достиг замечательных результатов, дополняя

живописные композиции подходящими по смыслу газетными иллюстрациями или

фрагментами текстов. Например, он наклеивал на холст фотографию рыбацкого

судна так, что получалось, будто корабль ловит рыбу в нарисованном бокале

вина.

Пространство больших картин, созданных между 1913 и 1919, таких, как

Арлекин (Нью-Йорк, Музей современного искусства), заполнено яркими

контрастными пятнами цвета; подобные декоративные эффекты уже далеко

отстоят от головоломок аналитического кубизма. Высшее достижение в этом

стиле — две картины с одинаковым названием Три музыканта, созданные в 1921

(Нью-Йорк, Музей современного искусства; Филадельфия, Музей искусства).

Для Пикассо в течение всего его долгого творческого пути было

характерно стремление работать в нескольких разных стилях одновременно.

Особенно ярко это проявилось в конце 1910-х — начале 1920-х годов, когда

Пикассо одновременно с кубистическими композициями создавал изысканные и

утонченные рисунки, такие, как Купальщицы (Кеймбридж, шт. Массачусетс,

музей Фогг). В кубизме подчеркивалась плоскостность изображенного

пространства, а на позднем этапе развития стиля оно стало заполняться

яркими цветными пятнами. Однако, когда Пикассо хотел передать мощь

скульптурных форм, он обращался к классической стилистике, напоминавшей

некоторые из его картин 1905—1906. Две сидящие женщины (1920, Нью-Йорк,

частное собрание) — характерный пример работы в этом направлении. Крупные

простые формы моделированы светом и тенью, что создает монументальный

образ, почти столь же скульптурный, сколь и живописный.

5.6. “Авиньонские девицы”.

В 1905 г. Пикассо создает свою знаменитую серию “Акробаты”, “Девочка на

шаре”, “Семья акробатов” и другие композиции “розового” периода,

исполненные мягкого лиризма, еще более детализированные, близкие к натуре,

чем предыдущие работы. Они не предвещают того перелома в творчестве

художника, который наступает внезапно и со всей резкостью проявляется

впервые в большой композиции “Авиньонские девицы”. Эта картина была начата

в 1906 г. в манере, довольно близкой предыдущим: портрет Гертруды Стайн,

“Две обнаженные женщины” (обе картины написаны в 1906 г.). Но когда она

была закончена, в 1907 г., в ней не осталось ничего, что напоминало бы

прежнего Пикассо “розового” периода. Пять обнаженных женских фигур,

изображенных в разных ракурсах, заполняющих почти всю поверхность холста,

как бы грубо вытесаны из твердого дерева или камня. Тела предельно

обобщены, лица лишены выражения. Складки драпировок, составляющих фон

картины, создают ощущение распада и дисгармонии.

Авиньонские девушки. П. Пикассо. 1907 год.

Картина Авиньонские девицы (Нью-Йорк, Музей современного искусства),

которую Пикассо решился выставить лишь много лет спустя после ее создания,

является одним из самых революционных произведений начала 20 в. На первый

взгляд, это всего лишь вариация традиционного сюжета — купальщицы на фоне

пейзажа. Однако нарочитые смещения форм создают эффект, автономного

пространства. Холст более не рассматривается как окно в иллюзорное

пространство. Картина теперь не считается подражанием природе и вообще чему

бы то ни было; отныне она самоценный, независимый объект.

В картине Авиньонские девицы изображение состоит из нескольких

фрагментов живописных плоскостей, которые оказываются не жестко

скрепленными, а находящимися в свободном движении друг относительно друга.

Если зритель смотрит на верхний правый угол картины, он с большим трудом

может обнаружить плоскости, разграничивающие объемы предметов и пустое

пространство. Такого разделения — одного из основополагающих понятий для

всей предшествующей западноевропейской живописи — в этой работе не

существует. Искаженные формы со срезанными углами и совмещением фрагментов

разных пространственных планов передают ощущение необработанности первичной

материи. В поисках первобытной энергии и мощи Пикассо, как уже отмечалось,

обращался к мотивам иберийской скульптуры и африканских резных деревянных

масок — формам примитивного искусства, которые в начале века вызывали

огромный интерес у парижских художников и любителей искусства.

Замысел и композиция картины Авиньонские девицы соответствуют эстетике

кубизма — направления в искусстве, которое создали ок. 1909 Пикассо и Брак.

Первая фаза развития этого течения (1909—1912) получила название

«аналитический кубизм»: предметы, все еще узнаваемые, как бы разложены на

составляющие их абстрактные геометрические формы. Направление развития

кубизма на ранней стадии можно последовательно проиллюстрировать картинами

Пикассо: Сидящая женщина (1909, Лондон, коллекция Пенроуз), Портрет

Канвайлера (1910, Нью-Йорк, частное собрание) и Моя красавица (1911, Нью-

Йорк, Музей современного искусства). Постепенно сюжет теряет свое значение;

различие между предметами и свободным пространством исчезает, композиция

становится все более дробной. Вопреки расхожему мнению, в цели Пикассо и

Брака не входило изображение предмета одновременно с разных точек зрения.

Скорее они стремились использовать предметы как средство исследования новых

пространственных отношений, которые могли существовать только внутри самой

картины и не были связаны со зрительным восприятием реального мира.

Картина произвела глубоко удручающее впечатление на друзей художника.

Одни сочли ее мистификацией, другие заговорили о душевной болезни автора.

Ж.Брак, увидевший “Авиньонских девиц” одним из первых, возмущенно заявил,

что Пикассо хочет заставить его “есть паклю и пить керосин”. По

свидетельству Гертруды Стайн, известный русский коллекционер С.И.Щукин,

большой поклонник живописи Пикассо, будучи у нее после посещения мастерской

художника, чуть ли не со слезами на глазах воскликнул: “Какая потеря для

французской живописи!” Маршаны, до того скупавшие все работы Пикассо,

отказались приобрести эту картину, значение которой в 1907 г. поняли,

кажется, только два человека – Гийом Аполлинер и Даниель Анри Канвейлер.

Именно эта картина, так и оставшаяся непризнанной, знаменует начало нового,

“негритянского” периода в творчестве Пикассо и нового направления в мировом

искусстве – кубизма.

“Картина “Авиньонские девицы” не является в собственном смысле

кубистской картиной, – пишет крупнейший английский исследователь Джон

Голдинг. – Кубизм реалистичен… в некотором смысле это – искусство

классическое. “Девицы” же производят впечатление крайней напряженности…

Вместе с тем этот холст, бесспорно, отмечает перелом в творчестве Пикассо

и, более того, начало новой эры в истории искусства. Он является логической

отправной точкой в истории кубизма. Анализ картины отчетливо показывает,

что большинство проблем, над которыми позднее будут совместно работать в

процессе создания стиля Брак и Пикассо, здесь уже поставлены, может быть,

еще неумело, но впервые достаточно ясно”.

По свидетельству Г.Стайн (портрет которой осенью 1906 г. заканчивал

Пикассо), именно в период работы над “Авиньонскими девицами” художник

благодаря Матиссу познакомился с африканской скульптурой. М.Жорж-Мишель в

книге “Живописцы и скульпторы, которых я знал” вспоминает о посещении

Пикассо вместе с Аполлинером экспозиции негритянского искусства в Музее

этнографии Трокадеро. По словам Жорж-Мишеля, Пикассо “вначале легкомысленно

развлекался, но затем страстно увлекся безыскусственными варварскими

формами”. Можно добавить, что в 1906 г. Пикассо познакомился с Дереном,

который находился тогда под сильным впечатлением от африканской скульптуры,

открытой им в Британском музее.

Поэт и критик Андре Сальмон, всемерно поддерживавший новое направление

в искусстве, был первым указавшим на связь между созданием знаменитой

картины и африканской скульптурой. Сальмон пишет, что в 1906 г. Пикассо

переживает значительный кризис. “День и ночь он тайно трудится над

картиной, пытаясь воплотить в ней свои новые идеи. К этому времени художник

Страницы: 1, 2, 3